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La scultura è arte tridimensionale fatta da uno dei quattro processi fondamentali. Queste sono intaglio (in pietra, legno, avorio o osso); modellazione in Creta; modellazione (in argilla o cera) e poi colare il modello in bronzo; costruzione (uno sviluppo del ventesimo secolo). I più antico noti artefatti umani riconoscibili come quello che noi chiameremmo scultura data dal periodo noto come il Paleolitico superiore, che è all'incirca da 40.000 a 10.000 anni fa. Questi oggetti sono piccole figure femminili con seni bulbosi e glutei scolpiti in pietra o avorio e si presume siano figure di fertilità. Il più famoso di essi è conosciuto come la Venere di Willendorf (il posto in Austria dove è stato trovato nel 1908). Scultura fiorì nell'antico Egitto da circa 5.000 anni fa e nell'antica Grecia da circa 2.000 anni più tardi. In Grecia ha raggiunto quello che è considerato un picco di perfezione nel periodo da circa 500-400 A.C.. A quel tempo, così come fare una scultura intagliata, i greci ha portato la tecnica di fusione scultura in bronzo ad un alto grado di sofisticazione. Dopo la caduta dell'Impero romano, la tecnica della fusione in bronzo era quasi perduta ma, insieme a scolpito scultura, ha subito una rinascita importante nel Rinascimento. Nel Novecento un nuovo modo di fare una scultura è emerso con le costruzioni cubista di Picasso. Questi erano soggetti di still life realizzati con materiali di scarto (trovato) incollati assieme. Scultura costruito in varie forme è diventato un importante flusso nell'arte moderna. (Costruttivismo; Assemblaggio; Ambiente; Installazione; Minimal art; Scultura di nuova generazione. ) Tecniche usata metallo saldatura incluso, introdotto da Julio González, che ha insegnato anche a Picasso. (Vedi anche ad esempio David Smith; Reg Butler. )
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Termine dell'antica filosofia Platonica che indica la copia di una copia di un qualcosa di ideale. Nel pensiero postmoderno, soprattutto attraverso gli scritti di Gilles Deleuze e Jean Baudrillard, il termine è stato rinnovato, usato in merito alla relazione fra un opera d'arte originale e le sue riproduzioni. Per Baudrillard il simulacro ha la precedenza rispetto all'originale, al punto che quest'ultimo perde del tutto la sua rilevanza.
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Refers to any Realist painting that also carries a clearly discernible social or political comment. In Britain can be found in eighteenth century in e. G. Hogarth, but became particularly widespread in nineteenth century. Important contributions by Pre-Raphaelites and by the more serious-minded genre painters such as Egg, Frith, Fildes and Holl. Not to be confused with Socialist Realism.
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Uno dei generi principali (tipi di soggetti) dell'arte occidentale. Essenzialmente, la materia di una natura morta dipinto o scultura è qualcosa che non si muove o è morto. Quindi morta include tutti i tipi di oggetti naturali o artificiali, fiori recisi, frutta, verdura, pesce, giochi, vino e così via. Natura morta può essere una celebrazione dei piaceri materiali come cibo e vino, o spesso un avvertimento di effimero di questi piaceri e la brevità della vita umana (vedi Memento mori). Nell'arte moderna semplice natura morta accordi sono spesso stati utilizzati come base relativamente neutro per esperimento formale, ad esempio da Paul Cézanne e i pittori cubisti. Nota il plurale di natura morta è ancora morte, e il termine non è sillabato.
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Teoria dell'arte avanzata da Edmund Burke A indagine filosofica sull'origine delle nostre idee del Sublime e del bello pubblicato nel 1757. Ha definito Sublime come un effetto artistico e produttivo dell'emozione più forte della mente è in grado di sensazione e ha scritto 'qualunque cosa è ogni sorta di terribile o è dimestichezza sugli oggetti terribili o funziona in modo analogo al terrore, è una fonte del Sublime'. Nel paesaggio Sublime è esemplificato dalle mareggiate di Turner e scene di montagna e nella pittura di storia ai drammi violenti di Fuseli. La nozione che può essere una legittima funzione dell'arte per produrre effetti di sconvolgenti o inquietanti era un elemento importante nell'arte romantica e rimane fondamentale all'arte oggi.
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Il nome dato dall'artista russo Kasimir Malevich all'arte astratta ha sviluppato dal 1913. La prima esposizione reale di Pittura suprematista era nel dicembre 1915 a San Pietroburgo, in una mostra chiamata O. 10. L'esposizione comprendeva trentacinque dipinti astratti di Malevich, tra i quali il famoso quadrato nero su un fondo bianco (Museo di stato russo, San Pietroburgo) che diresse l'elenco delle sue opere nel catalogo. Nel 1927 Malevich pubblicò il suo libro il mondo obiettivo, uno dei documenti più importanti teorici dell'arte astratta. In esso egli ha scritto: «nell'anno 1913, cercando disperatamente di liberare l'arte dal peso morto del mondo reale, si rifugiò nella forma della piazza. ' Fuori 'Piazza suprematista' come egli la chiamava, Malevich ha sviluppato tutta una serie di forme come rettangoli, triangoli e cerchi spesso in colori intensi e belli. Queste forme sono lanciate contro un terreno solitamente bianco e la sensazione del colore nello spazio in suprematista dipinto è un aspetto fondamentale di esso. Suprematismo fu uno dei principali movimenti dell'arte moderna in Russia e fu particolarmente strettamente associato con la rivoluzione. Dopo l'ascesa di Stalin dal 1924 e l'imposizione del realismo socialista, la carriera di Malevich languiva. Nei suoi ultimi anni prima della sua morte nel 1935 dipinse immagini realista. Nel 1919 l'artista russo El Lissitsky incontrato Malevich e fu fortemente influenzato dal Suprematismo, come era l'ungherese Laszlo Moholy-Nagy di nato.
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Movimento lanciato a Parigi nel 1924 dal poeta francese André Breton con la pubblicazione del suo Manifesto del surrealismo. Breton fu fortemente influenzato dalle teorie di Sigmund Freud, il fondatore della psicoanalisi. Freud ha identificato uno strato profondo della mente umana dove sono archiviati i ricordi e i nostri istinti più elementari. Ha chiamato questo inconscio, poiché la maggior parte del tempo che non siamo a conoscenza di esso. Lo scopo del surrealismo era di rivelare l'inconscio e conciliarlo con la vita razionale. Il surrealismo ha fatto questo in literarature così come arte. Surrealismo anche finalizzata alla rivoluzione sociale e politica e per una volta è stato affiliato al partito comunista. Non non c'era nessun singolo stile di arte surrealista, ma due tipi possono essere visto. Queste sono l'onirico (onirico) opera di Dalí, Ernst precoce e Magritte e l'automatismo di seguito Ernst e Mirò. Freud riteneva che sogni ha rivelato i meccanismi dell'inconscio, e il suo famoso libro l'interpretazione dei sogni era centrale al Surrealismo. Automatismo era il termine surrealista per tecnica di Freud di libera associazione, che ha anche utilizzato per rivelare la mente inconscia dei suoi pazienti. Surrealismo ha avuto un'enorme influenza su arte, letteratura e cinema, nonché sul comportamento e gli atteggiamenti sociali.
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Simbolismo termine coniato 1886 dal critico francese Jean Moréas per descrivere la poesia di Mallarmé e Verlaine. Presto applicato all'arte dove descrive la continuazione, Impressionismo, realismo, naturalismo, a fronte della tradizionale mitologica, religiosa e letteraria materia, ma accertate di nuovi contenuti psicologici, particolarmente erotico e mistico. Complesso fenomeno internazionale ma soprattutto francese (Moreau, Redon, Gauguin), belga (Khnopff, Delville) e inglesi (Rossetti, Burne-Jones, Watts, Beardsley).
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Tecnica di pittura con pigmenti amalgamati in un'emulsione solubile, come acqua e tuorlo d'uovo, o un'emulsione oleosa come olio ed uovo intero. Alcune pitture a tempera sono realizzate con un'emulsione artificiale in cui si utilizza colla o gomma. Normalmente applicata su supporti rigidi come pannelli di legno, una volta asciutta la vernice diventa molto dura.
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