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Minimalismo o Minimal art è una forma estrema di arte astratta sviluppatosi negli Stati Uniti nella seconda metà degli anni sessanta. Può essere visto come estendere l'idea astratta che l'arte deve avere la propria realtà e non essere un'imitazione di qualche altra cosa. Essa raccolse troppo l'idea costruttivista che arte dovrebbe essere fatta di materiali moderni, industriale. Opere di artisti minimal in genere realizzati in forme geometriche molto semplice basati sul quadrato e del rettangolo. Molte opere Minimal esplorare le proprietà dei loro materiali. Minimal art è stato principalmente tridimensionale ma il pittore Frank Stella fu un importante minimalista. Gli altri artisti principali erano Flavin, Judd, Andre, Lewitt, Morris e Serra. Ci sono forti legami fra arte minimale e concettuale. Esteticamente, la Minimal art offre una forma altamente purificata di bellezza. Può anche essere visto come rappresentando tali qualità come la verità (perché esso non pretende di essere diverso da quello che è), ordine, semplicità, armonia.
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Nel campo dell'arte il vasto movimento nell'arte occidentale, architettura e design che respinte consapevolmente passato come modella per l'arte del presente. Da qui il termine modernista o moderna arte. Modernismo riuniti passo da circa 1850. Modernismo propone nuove forme d'arte, in quanto queste sono più adatte al tempo presente. Così è caratterizzato da innovazione costante. Ma l'arte moderna ha spesso portato troppo dalla varie agende politiche e sociali. Questi erano spesso utopici e modernismo era in generale associato a visioni ideale della vita umana e società e una credenza in corso. Il modernismo di termini e l'arte moderna sono generalmente utilizzati per descrivere la successione di movimenti artistici che i critici e gli storici hanno identificato dal realismo di Courbet, che culmina nell'arte astratta e i suoi sviluppi fino al 1960. A quel tempo il Modernismo era diventato una idea dominante dell'arte, e una teoria particolarmente stretta della pittura modernista era stata formulata dal critico americano altamente influente Clement Greenberg. Una reazione quindi ebbe luogo che è stato rapidamente identificato come postmodernismo.
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Bianco e nero significa un unico colore. Per secoli gli artisti utilizzato diverse tonalità (toni) di inchiostro marrone o nero per creare immagini in bianco e nero su carta. L'inchiostro sarebbe semplicemente essere più o meno diluito per ottenere le sfumature necessarie. Sfumature di grigio vernice a olio sono stati utilizzati per creare dipinti monocromi, una tecnica conosciuta come grisaille, dal francese parola grigio significato gris. In tale lavoro i giochi di luce e buio (chiaroscuro) abilitato l'artista a definire la forma e creare una foto. Nel ventesimo secolo, con la nascita dell'arte astratta molti artisti sperimentarono facendo pittura monocroma. Tra i primi fu Kasimir Malevich che circa 1917-18 ha creato una serie di bianco sui dipinti di bianchi (vedi Suprematismo). In Gran Bretagna, Ben Nicholson ha creato una notevole serie di rilievi bianchi alla metà degli anni trenta. Pittura monocroma divenne particolarmente diffusa nella seconda metà del secolo con l'aspetto del campo di colore pittura e arte minimale. L'artista francese Yves Klein divenne così famoso per i suoi quadri all-blu, che divenne noto come Yves la monocromia.
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Una pittura applicata direttamente al muro in uno spazio pubblico è descritto come un murales. La popolarità del murale nel mondo occidentale iniziò nel XIX secolo, con un nuovo, orientata alla Comunità il senso di identità nazionale. Il vantaggio di un murale è la sua accessibilità ad un vasto pubblico, che ha reso caro a molte ideologie politiche. Nel 1930 ci fu una tendenza mondiale verso fare arte più pubblico in reazione allo sviluppo introspettivo dell'arte moderna. In America Latina, USA e Gran Bretagna, la pittura murale è diventato popolare grazie alla garanzia governativa sotto forma di organizzazioni come l'associazione internazionale di artisti. Nel 1933 Mario Sironi pubblicato il Manifesto della pittura murale e commissionato murales di Giorgio De Chirico e Carlo Carrà. In Germania, Italia e i murales di USSR riflettono la propaganda totalitaria dello stato. Dal 1970 murales nel mondo occidentale sono stati progettati alla politica locale, rivelando spesso un senso di orgoglio nazionale, razza o civica nella zona. (Vedi anche moralismo messicano)
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Una fotografia è un'immagine creata dalla luce impressa su un materiale fotosensibile. Può essere un'immagine positiva o negativa, realizzata attraverso vari processi.
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Un collage costruito da fotografie che spesso è stato usato come mezzo per esprimere dissenso politico. Prima volta dai dadaisti nel 1915 nelle loro proteste contro la prima guerra mondiale, successivamente è stata adottata dai surrealisti che sfruttasse il fotomontaggio possibilità offerto tramite libera associazione per riunire immagini ampiamente disparate, per riflettere il funzionamento della mente inconscia. Nel 1923 il Rodchenko di Aleksander costruttivista russo iniziò a sperimentare fotomontaggio come un modo di creare sorprendenti socialmente impegnato immagini occupano la posizione e il movimento di oggetti nello spazio. Altri esponenti chiave del mezzo sono John Heartfield, artista tedesco che ha ricostruito le immagini dal supporto per protestare contro il regime fascista e Peter Kennard, cui fotomontaggi Germania esplorati temi come la disuguaglianza economica, brutalità della polizia e la corsa agli armamenti nucleari tra il 1970 e il 1990.
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Uno stile di pittura che è emerso in Europa e negli Stati Uniti negli anni sessanta, il fotorealismo è stato caratterizzato da dettagli e precisione. Ha rifiutato le qualità pittoriche di cui singoli artisti potrebbero essere riconosciuti e invece si è sforzato di creare immagini che sembrava fotografici. Complessità visiva, accresciuta chiarezza e un desiderio di essere emotivamente neutro determinato argomento banale che paragonato al movimento alla Pop art. Artisti associati fotorealismo includono il pittore Chuck nelle vicinanze e Richard Estes. Gli anni novanta videro un rinnovato interesse in fotorealismo, grazie alla nuova tecnologia sotto forma di telecamere e apparecchiature digitali, che ha offerto più di precisione. Artisti più giovani a praticare questa tecnica oggi includono Raphaella Spence, Clive Head e Bertrand Meniel. (Vedi anche Hyper-realismo)
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Interesse nella pittura di paesaggio e guardando il paesaggio stesso è cresciuta rapidamente attraverso la seconda metà del XVIII secolo. Definizioni dei tipi di paesaggio o di vista, visto dal punto di vista estetico o artistico, di seguirono. A un estremo era Sublime (luoghi impressionanti come grandi montagne) presso l'altro Beautiful, le attrazioni più tranquille, anche abbastanza. In mezzo è venuto il Picturesque, visualizzazioni, visti come essere artistici, ma che contengono elementi di selvatichezza o irregolarità. Teoria del pittoresco sviluppato da scrittori William Gilpin (osservazioni sul fiume Wye 1770) e Uvedale Price, che nel 1794 pubblicò un saggio sulla pittoresca rispetto il Sublime ed il bello.
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Nome dato alle versioni inglesi e americane dell'arte che ha tratto ispirazione da fonti nella cultura popolare e commerciale. Queste sorgenti includevano film di Hollywood, pubblicità, packaging, musica pop e fumetti. In Europa un movimento simile è stato chiamato Nouveau Réalisme (nuovo realismo). Pop iniziò verso la metà degli anni cinquanta e ha raggiunto il suo picco negli anni sessanta. Esso era una rivolta contro le ortodossie prevalente nell'arte e nella vita e può essere visto come una delle prime manifestazioni del postmodernismo. Critica modernista era inorriditi dall'uso degli artisti Pop di tale materia bassa e dal loro trattamento apparentemente acritico di esso. Pop infatti ha preso l'arte nelle nuove zone di materia e sviluppato nuovi modi per presentarla in arte. Capo artisti in America erano Lichtenstein, Oldenburg, Warhol; in Gran Bretagna, Blake, Caulfield, Hamilton, Hockney, Jones, Self.
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Un ritratto è una rappresentazione di una determinata persona. Ritrattistica è una forma d'arte molto antica che risale almeno all'antico Egitto, dove è fiorito da circa 5.000 anni fa. Prima dell'invenzione della fotografia, un ritratto verniciato, scolpito o disegnato era l'unico modo per registrare la comparsa di qualcuno. Ma i ritratti sono sempre stati molto più di un record. Essi sono stati utilizzati per mostrare il potere, importanza, virtù, bellezza, ricchezza, gusto, apprendimento o altre qualità del personaggio. Ritratti sono quasi sempre stati lusinghieri, e pittori che hanno rifiutato di lusingare, come William Hogarth, tendevano a trovare il loro lavoro rifiutato. Una notevole eccezione fu Francisco Goya nel suoi apparentemente senza mezzi termini veritieri ritratti della famiglia reale spagnola. Autoritratti degli artisti sono un sottogruppo interessante di ritrattistica e spesso possono essere altamente self-revelatory. Quelli di Rembrandt sono particolarmente famosi. Tra leader ritratto di artisti moderni dipinto su Commissione, che è di ordine, è diventato sempre più raro. Invece artisti dipinta loro amici e amanti in qualunque modo hanno soddisfatto. La maggior parte delle immagini di Picasso delle donne, per esempio, tuttavia bizzarre, può essere identificata come ritratti delle sue amanti. Allo stesso tempo, la fotografia è diventato il mezzo più importante della ritrattistica tradizionale, portando quello che precedentemente era un prodotto di lusso costoso all'interno della borsa di quasi tutti. Dagli anni novanta artisti hanno utilizzato anche video per creare ritratti viventi. Ma la pittura di ritratto continua a fiorire. (Vedere anche la parte di conversazione; Miniatura; Generi. )
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