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A proveniência de uma obra de arte é a história de sua propriedade. a palavra vem de produtos verbo francês, vir de. Proveniência é essencial para identificar com certeza a autoria de uma obra de arte. Quando os chips são para baixo, nenhuma quantidade de connoisseurship pode bater uma boa partida. Proveniência de o ideal seria composto de uma história de propriedade direito rastreável de volta ao estúdio do artista. Um outro aspecto importante da história de uma obra de arte é as exposições tem sido pol. a importância de proveniência não escapou à atenção dos falsificadores. De in the 1990 faz referência a um falso inserido falsificador forjado pinturas em materiais tais como exposição de catálogos nos arquivos do Museu. Este compradores convencido mesmo quando a qualidade da falsificação não foi especialmente boa. As obras ilustradas cada têm uma proveniência interessante. a pedra de afiar foi descoberto no Brasil; a Malevich foi vendida pelo governo soviético; o Martin é um dos três painéis de um tríptico famoso uma vez que tinha sido quebrado na década de 1930. Um painel foi adquirida pela Tate. Outros dois desapareceram. Eles foram mais tarde rastreou e se reuniu por um colecionador privado e eventualmente legou à Tate e trouxe junto com outro painel. Por favor siga links para 'textos' destas obras: pedra de afiar, Sketch para 'The mágico', (texto curto); Malevich, Suprematismo dinâmico, (catálogo completo); Martin, O juízo final, (catálogo completo e companheiro ilustrado).
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Geralmente associado com a década de 1960 e a uma droga LSD. Há muitos exemplos anteriores de artistas tomar drogas para aumentar a sua consciência e ampliar sua visão mental, mas foi os efeitos alucinatória do LSD que tinha um efeito poderoso sobre os artistas. Day-glo e anti-naturalistic em cor, padrões de redemoinho de arte psicodélica frequentemente contido, imagens eróticas e mensagens ocultas, tudo com o objetivo para se referir aos Estados mudanças de consciência sob a influência da droga. Grande parte da arte cresceu fora da Comunidade hippie em São Francisco, em especial os artistas Stanley Mouse, Rick Griffin e Alton Kelley, que foram encomendados pelo promotor de rock Bill Graham para produzir cartazes para as bandas The Grateful Dead, Jimi Hendrix e The Big Brother Holding Company.
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Trabalho artístico que é na esfera pública, independentemente da situa-se em propriedade pública ou privada ou se ele foi comprado com o dinheiro público ou privado. Geralmente, mas nem sempre, a arte foi encomendada especialmente para o site em que está situado. Monumentos, memoriais e cívicas estátuas e esculturas são as formas mais estabelecidas de arte pública, mas também pode ser transitória, sob a forma de performances, dança, teatro, poesia, grafites, cartazes e instalações arte pública. Pública arte muitas vezes pode ser usado como uma ferramenta política, como os cartazes de propaganda e estátuas da União Soviética ou os murais pintados pelos unionistas do Ulster na Irlanda do Norte. Arte pública também pode ser uma forma de protesto cívico, como no graffiti pulverizado do lado do metrô de Nova York na década de 1980.
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Movimento fundado por Edouard Jeanneret (mais conhecido como o moderno arquiteto Le Corbusier) e Amédée Ozenfant. Estabelecem a teoria do Purismo em seu livro Après le Cubisme (após o cubismo) publicada em 1918. Criticaram a fragmentação do objeto no cubismo e a maneira na qual Cubismo tinha-se tornado, na sua opinião, decorativa por esse tempo. Instead propuseram um tipo de pintura nas quais objetos foram representados como poderosas formas básicas despojado de detalhe. a elemento crucial do Purismo foi seu abraço de tecnologia e a máquina e visa dar assunto mecânico e industrial uma qualidade atemporal, clássica. Referências a arquitetura grega antiga podem ser vistas no miolo (como uma coluna grega) sobre as garrafas em composições de natureza morta da Ozenfant. Mais importantes outra artista associado ao purismo foi Fernand Léger. Purismo atingido seu clímax em Pavillon de l'Esprit Le Corbusier Nouveau (pavilhão do espírito novo), construído em 1925 para o International Exposition of Decorative e Industrial Artes em Paris. Isso foi pendurado com o trabalho por três diretores e também incluiu os Cubists, Gris e Lipschitz. Depois da relação fundamental entre Ozenfant e Le Corbusier partiu-se.
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Arte do imaginário homossexual ou lésbico que baseia-se em torno das questões que evoluíram do gênero e identidade política da década de 1980. Embora tenha havido muitas representações de homossexualidade e lesbianismo na história da arte, foi na década de 1980, na sequência do movimento feminista e a crise da AIDS que a estética queer nasceu. Artistas começou a documentar uma paisagem cultural que foi rapidamente desaparecendo, bem como a reação que havia tido lugar contra a liberdade sexual. Grande parte da arte ressoa com temas da vida e da morte, em especial as fotografias de Nan Goldin e Wolfgang Tillmans e as instalações de Felix Gonzalez-Torres. Lá é também uma exploração crítica da representação, como nas fotografias de lésbicas por Catherine Opie e nos estudos da cena gay S & M em Nova York por Robert Mapplethorpe.
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Fotogramas são impressões fotográficas que não requerem o uso de uma câmera e são feitas pela fixação de objetos diretamente no papel fotossensível e exposição a luz. o processo é tão antiga quanto a fotografia em si, mas emergiu novamente em vários contextos de vanguarda no início de 1920. Man Ray refinado e personalizadas a técnica de tal forma que as novas estampas eventualmente levou seu nome — rayographs.
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Um dos movimentos de vanguarda russos que proliferaram em Moscou e São Petersburgo, nos anos de cerca de 1910-20. Foi a invenção do Michel Larionov e sua parceira Natalya Goncharova em 1912. O Raionismo, ou Rayism, era uma forma primitiva de arte abstracta, com base na paisagem e consistindo de interagir dinamicamente linear constitui, em última análise derivada de raios de luz. De sua Raionista pintura Nocturne Larionov escreveu mais tarde: «Esta obra foi inspirada pelo Crepúsculo em Odessa. é um problema da combinação de escadarias, interiores e exteriores de casas e representa a pressão do corpo de cores escuros sobre os tons semi-light. o problema desta pintura é organizar esses tons em uma determinada ordem. é o conflito dos raios semi-light com os raios escuros. '
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Modelos de projectos é o termo usado pelo artista francês Marcel Duchamp para descrever obras ele fez de objetos manufaturados. Seus primeiros readymades incluído roda da bicicleta de 1913, uma roda montada em um banquinho de madeira e antes do braço quebrado de 1915, uma pá de neve inscrito com esse título. Em 1917 em Nova Iorque, Duchamp fez seu mais notório readymade, Fountain, mictório dos homens assinado pelo artista com um nome falso e exibiu colocado em suas costas. Mais tarde readymades poderia ser mais elaborado e foram referidos por Duchamp como readymades assistidas. a teoria por trás do readymade foi explicado num artigo, anônimo, mas quase certamente por Duchamp, na edição de Maio de 1917 da revista avant-garde The Blind Man executado por Duchamp e dois amigos: ' se o senhor Mutt com suas próprias mãos não feito a fonte ou não tem nenhuma importância. -Lo, ele escolheu. Ele tomou um artigo comum da vida e colocou-o para que seu significado útil desapareceu sob o novo título e perspectiva — criou um novo pensamento para esse objeto. ' Há três pontos importantes aqui: primeiro, que a escolha do objeto propriamente dito é um ato criativo. Em segundo lugar, que, anulando a função 'útil' de um objeto se torna arte. Em terceiro lugar, que a apresentação e a adição de um título para o objeto dado «um novo pensamento', um novo significado. Readymades de Duchamp também afirmado o princípio de que o que é arte é definido pelo artista. Duchamp foi uma figura influente no Dadaísmo e surrealismo, uma influência importante na Pop art, ambientes, montagem, instalação arte, arte conceitual e muita arte da década de 1990, como YBA. (Ver também o pós-modernismo. )
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Até o século XIX Ocidental arte foi dominado pela teoria acadêmica da história da arte pintura e alta (ver também forma grande). , Em seguida, o desenvolvimento do naturalismo começou a andar de mãos dadas com o aumento da ênfase no realismo do assunto, súditos significado fora da alta tradição de arte. o termo que realismo foi cunhado pelo escritor francês que Champfleury na década de 1840 e na arte foi exemplificado na obra de seu amigo, o pintor Courbet. Na prática realista assunto significado cenas da vida de classe operária e camponesa, a vida das ruas da cidade, cafés e entretenimentos populares e uma franqueza crescente no tratamento do corpo e assuntos sexuais. o termo geralmente implica uma certa rugosidade da escolha do assunto. Tal assunto combinado com o naturalismo novo do choque causado de tratamento entre o público predominantemente classe média e superior para a arte. Realismo também é aplicado como um termo estilístico de formas de pintura quase fotográfica acentuadamente focada independentemente da matéria em questão, por exemplo, trabalho precoce pré-rafaelita, como Millais Ophelia. (Ver também realismo moderno).
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O Salon des Réalités Nouvelles (novas realidades) foi uma sociedade expositora dedicada a pura arte abstrata fundada em Paris em 1939 por Sonia Delaunay e outros. Após a interrupção da Segunda Guerra Mundial ele foi restabelecido em 1946 novamente com a ajuda de Sonia Delaunay e continua até hoje. Ele fornecido no pós-guerra o mesmo foco para as tendências mais puros arte abstrata que Abstraction-Création tinha antes da guerra. o nome reflecte a ideia fundamental que arte abstrata é uma nova realidade, porque não se referir ou imitar qualquer realidade existente.
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