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En general, el formalismo del término describe la posición crítica que el aspecto más importante de una obra de arte es su forma, es decir, la forma en que se hace y sus aspectos puramente visuales, en lugar de su contenido narrativo o su relación con el mundo visible. En la pintura, por lo tanto, un crítico formalista se centraría exclusivamente en las cualidades de color, pincelada, forma, línea y composición. Formalismo como una postura crítica surgió en respuesta al impresionismo y postimpresionismo (especialmente la pintura de Cézanne) en el cual sin precedentes hizo hincapié en los aspectos puramente visuales de la obra. En 1890 el pintor postimpresionista y escritor de arte, Maurice Denis, publicaron un manifiesto titulado definición de Neo-Traditionism. La primera frase de este es uno de los textos más ampliamente citados en la historia del arte moderno: "Recuerde que un cuadro, antes de que es una foto de un caballo de batalla, una mujer desnuda o una historia, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden. ' Denis subrayó que placer estético debía encontrarse en la pintura en sí no es su tema. En el arte formalista Gran Bretaña teoría fue desarrollada por el pintor Bloomsbury y crítico Roger Fry y el escritor de Bloomsbury Clive Bell. En su libro 1914 Art Bell formuló la noción de forma significativa, de que forma se puede transmitir el sentimiento. Todo esto condujo rápidamente a abstracta de arte y de la forma pura. Formalismo dominaron el desarrollo del arte moderno hasta la década de 1960 cuando llegó a su apogeo en la supuesta nueva crítica del crítico norteamericano Clement Greenberg y otros, particularmente en sus escritos sobre el campo de color pintura y abstracción postpictórica Post. Fue precisamente en aquel momento eso formalismo comenzó a ser desafiado por el postmodernismo.
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Un objeto natural o artificial (o un fragmento de un objeto) encontró (o a veces comprado) por un artista y guardado por algún interés intrínseco el artista ve en ella. Objetos encontrados puede ser colocados en un estante y tratados como obras de arte en sí mismos, así como proporcionando inspiración para el artista. Por ejemplo, el escultor Henry Moore recogido huesos y Pedernales que parece haber tratado como esculturas naturales, así como las fuentes para su propio trabajo. Objetos encontrados también puede ser modificados por el artista y presentados como arte, más o menos intactos como el Dadá y surrealista "ready mades" del artista Marcel Duchamp, o como parte de un conjunto. Como tan a menudo, Picasso fue un creador, a partir de 1912, cuando empezó a incorporar sus collages cubistas periódicos y cosas tales como cajas de fósforos y realizar sus construcciones cubistas de diferentes materiales rescatados. Uso extensivo de objetos encontrados fue hecho por artistas Pop, Dada y surrealista y más tarde artistas como Carl Andre, Tony Cragg, Bill Woodrow, Damien Hirst, Sarah Lucas y Michael Landy entre muchos otros.
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Arte hecho por un sistema predeterminado que a menudo incluye un elemento de azar. La práctica tiene sus raíces en Dada, sin embargo, fue el artista pionero Harold Cohen quien era considerado en los primeros practicantes del arte generativo cuando usó los robots controlados por computadora para generar cuadros en la década de 1960. Más recientemente, el ganador del premio Turner Keith Tyson construyó un ArtMachine, un sistema complejo recursivo que generaron propuestas detalladas para las obras de arte para Tyson hacer. Arte generativo se utiliza predominante en referencia a un cierto tipo de arte realizado en la red, particularmente porque artistas diseñar programas que pueden ser accedidos y controlados por el público. Arte generativo también está asociada con el arte de proceso.
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Pinturas de temas de la vida cotidiana, generalmente pequeña en escala. Desarrollado particularmente en Holanda en el siglo XVII, más típicamente con escenas de la vida campesina o beber en las tabernas. En temas de Moral moderna de Gran Bretaña Hogarth eran una clase especial de género, su franqueza y a menudo sátira social. Pintura de género más simple surge en siglo XVIII luego en por ejemplo G Morland, H Morland y Wheatley. Se hizo enormemente popular en época victoriana tras el éxito de su trabajo brillantemente calificado pero profundamente sentimental de Wilkie. Pintura de género es uno de los cinco géneros o tipos de pintura, establecida en el siglo XVII.
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Los géneros o tipos de pintura, fueron codificados en el siglo XVII por la Academia real francesa. En orden decreciente de importancia los géneros eran historia, retrato, género, paisaje y naturaleza muerta. Esta tabla de la liga, conocida como la jerarquía de los géneros, se basaba en la noción del hombre la medida de todas las cosas, paisajes y bodegones fueron las más bajas porque ellos no implicó materia humana. La historia fue mayor porque trataba con los acontecimientos más nobles de la historia humana y la religión.
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Term coined by the British critic and poet Herbert Read in 1952. He used the phrase in a review of the British pavilion at the Venice Biennale of that year. The British contribution was an exhibition of the work of the group of young sculptors that had emerged immediately after the Second World War in the wake of the older Henry Moore. Their work, and that of Moore at that time, was characterised by spiky, alien-looking or, twisted, tortured, battered or blasted looking human, or sometimes animal figures. They were executed in pitted bronze or welded metal and vividly expressed a range of states of mind and emotions related to the anxieties and fears of the post-war period. The artists were Robert Adams, Kenneth Armitage, Reg Butler, Lynn Chadwick, Geoffrey Clarke, Bernard Meadows, Eduardo Paolozzi and William Turnbull. A sculpture by Moore was outside the pavilion. Of their work Read wrote: 'These new images belong to the iconography of despair, or of defiance; and the more innocent the artist, the more effectively he transmits the collective guilt. Here are images of flight, or ragged claws "scuttling across the floors of silent seas", of excoriated flesh, frustrated sex, the geometry of fear. ' The quotation within Read's text is from the poet TS Eliot's 'Prufrock'. Read's image of 'ragged claws "scuttling"' may have referred to Meadows's Black Crab 1952.
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Manta de término que se aplica a los estilos prevalece a través de los reinados de los cuatro Georges rey en Gran Bretaña desde 1714 a 1830. Generalmente se refiere a la arquitectura, muebles, plata y similares, en lugar de pintura. Característica unificadora, si tiene uno, una cierta moderación clásica y armonía.
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Un término que originalmente entró en uso para describir la pintura de los artistas del expresionismo abstracto Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans Hofmann y otros. Lo que tenían en común era la aplicación de pintura en gestos radicales libres con el cepillo. En caso de Pollock el cepillo puede ser un seco o un palillo, sumergido en la pintura y siguió sobre el lienzo. También vertió directamente de la lata. La idea era que el artista actuaría físicamente a sus impulsos interiores, y que algo de su emoción o estado mental será leído por el espectador en las marcas de pintura resultante. De Kooning escribió: Pinto así porque puedo seguir poniendo más y más cosas en él — drama, ira, dolor, amor — a través de los ojos se convierte otra vez una emoción o una idea. "Este enfoque a la pintura tiene sus orígenes en el expresionismo y el automatismo (especialmente la pintura de Joan Miró). En su historia de 1970, expresionismo abstracto, Irvine Sandler distingue dos ramas del movimiento, los pintores' gesto' y los pintores de 'campo de color'. La expresión gestual ha llegado a ser aplicado a cualquier pintura hecha de esta manera.
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Arte de graffiti tiene sus orígenes en Nueva York de los años 70, cuando los jóvenes comenzaron a usar pintura en aerosol y otros materiales para crear imágenes en edificios y en los lados de los trenes subterráneos. Tales graffiti puede variar desde imágenes gráficas brillantes (wildstyle) para el monograma estilizado (etiqueta). Graffiti como tal se ve raramente en galerías y museos, sin embargo, su estética se ha incorporado al trabajo de artistas. Primeros exponentes del graffiti en arte incluyen el artista francés Jean Dubuffet que incorpora motivos gráficos y etiquetas en sus pinturas y los artistas de Nueva York, Jean-Michel Basquiat y Keith Haring que podría definirse como pioneros del arte de la calle. Más recientemente, artistas del graffiti como Barry McGee y Banksy se han visto expuestas en espacios comerciales.
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Término inglés para el más alto estilo de arte en teoría académica. Vista de la moneda por Reynolds y ampliamente discutido en sus discursos sobre el arte — quince conferencias entregan a los estudiantes de la Academia real entre 1769 y 1790. Reynolds argumentó que pintores servilmente no deben copiar la naturaleza pero buscan una forma generalizada e ideal. Este 'da lo que se llama el gran estilo a la invención, a la composición, a la expresión e incluso de colorante y cortinas' (cuarto discurso). En la práctica significaba pintura figura humana en gratuida en griego antiguo y arte romano (clásico) y los maestros del Renacimiento Italiano como Raphael. Gran estilo utilizado estrictamente para la pintura de historia, pero Reynolds adaptado con éxito a retrato, inventando el retrato High Art.
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