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Un nuovo approccio per fare scultura intagliata introdotto da Brancusi da circa 1906. Prima che scultura intagliata era sempre basata su un modello preliminare accuratamente lavorato fuori. Spesso si era poi effettivamente intagliato da artigiani impiegati dall'artista. Le sculture di marmo di Rodin sono state fatte in questo modo. Nella scultura diretto non non c'è nessun modello e la forma finale si evolve attraverso il processo di intaglio. Un aspetto importante dell'intaglio diretto era la dottrina della verità ai materiali (vedi anche Impasto). Questo significava che l'artista consapevolmente rispettato la natura del materiale, per mettere in evidenza le sue particolari proprietà e la bellezza del colore e della superficie di lavoro. Intagliatori diretti usato un'ampia varietà di tipi di marmo, pietra e legno. Continuavano a forme semplici che rispettato il tronco di albero o blocco originale. Superfici sono stati mantenuti sgombra di dettaglio al fine di esporre il materiale stesso e sono stati spesso accuratamente lucidati per migliorare il colore e le marcature. I risultati sono stati spesso altamente astratti. Nell'introdurre l'intaglio diretto Brancusi ha portato una rivoluzione nella tradizione della scultura intagliata. Dopo Brancusi, intagliatori diretti notevoli erano Epstein, Gaudier-Brzeska, Hepworth e Moore.
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Arte degenerata è la traduzione in inglese della frase tedesca Entartete Kunst. Nel 1933 il partito nazionalsocialista (nazista) sotto il suo capo Adolph Hitler giunse al potere in Germania e ha cominciato a portare l'arte sotto il suo controllo. Tutta l'arte moderna è stato etichettato degenerato. Espressionismo particolare è stato individuato. Nel 1937, musei tedeschi sono stati eliminati dell'arte moderna dal governo, un totale di alcuni 15.550 funziona da rimuovere. Una selezione di questi è stato poi messo in Mostra a Monaco di Baviera in una mostra dal titolo Entartete Kunst. Questo è stato allestito con cura in modo da incoraggiare il pubblico a deridere il lavoro. Allo stesso tempo si tenne un'esposizione del lavoro tradizionalmente dipinta e scolpita, che esaltava il partito nazista e le virtù della vita tedesca vista di Hitler: «Kinder, Küche, Kirche» — approssimativamente, famiglia, casa e Chiesa. Ironicamente, questa arte ufficiale nazista era un'immagine speculare del realismo socialista di odiati comunisti. Alcuni di arte degenerata venne venduta all'asta in Svizzera nel 1939, e più è stato smaltito attraverso concessionari privati. Circa 5.000 articoli sono stati bruciati segretamente a Berlino in quello stesso anno. Il bambino malato di Edvard Munch ora nella collezione Tate, è stato venduto all'asta 1939.
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Un termine usato per descrivere la rappresentazione visiva delle informazioni, spesso statistici. In passato questo era solitamente in forma di mappa o grafico, ma computer permettono di rappresentare dati in forma animata e interattiva. Artisti utilizzano visualizzazione dati come un modo di rivelare ed esplorare gli aspetti nascosti della società come manifestato in nuove forme di rappresentazione sociale, come i log del web. Un esempio di questo è The Dumpster, un'opera online ideata da Golan Levin con Nigam Kamal e Jonathan Feinberg, che utilizza i dati di log per tracciare la vita romantica di adolescenti.
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Fino ai tempi moderni corti reali erano degli obiettivi principali di mecenatismo artistico. Monarchi impiegato i propri artisti dando loro titoli come pittore del re, ma essi sono generalmente indicati come pittori di corte. Potrebbero essere tra i più famosi artisti del giorno: in Gran Bretagna il Henry VIII importati Holbein, e Charles nominato Van Dyck 'Principalle Paynter ordinario a loro Maestà'. Elizabeth nutrito il primo genio nativi dell'arte britannica, Hilliard. Charles ho costruito una delle più grandi collezioni di arte reale e riccamente frequentato le arti in generale.
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Ritratto di gruppo informale, solitamente piccolo in scala, mostrando le persone, spesso famiglie, a volte gruppi di amici, in interni domestici o impostazioni di giardino. Sitter sono mostrati interagendo con l'altro o con animali, prendere il tè, giocando i giochi. Contrasto con corte o ritratto di grande stile. Sembra si sono evoluti primo Settecento per soddisfare la domanda di nuove classi medie, anche se inoltre ha guadagnato i patroni aristocratici e royal. Probabilmente introdotto in Gran Bretagna da Mercier circa 1725, resa popolare da Hogarth, poi Devis e divenne molto di moda con Zoffany.
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Contenuto si riferisce generalmente alla materia, significato o importanza di un'opera d'arte, in contrasto con la sua forma. Nell'arte moderna il drammatico susseguirsi di innovazioni nella forma dall'impressionismo in poi hanno fatto sì che questa discussione ha spesso preso il sopravvento che di contenuti. Gli anni sessanta e primi anni 1970 il volo particolarmente radicale dalle tradizionali forme di arte che ha portato in quello che divenne noto come l'arte concettuale, diede origine al lavoro in cui forma e contenuto sono stati fusi in un modo nuovo.
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Termine introdotto da Van Doesburg nel 1930 'Manifesto dell'arte concreta' pubblicato nel primo ed unico numero della rivista Art Concret. Ha chiamato per un tipo di arte astratta che sarebbe interamente privo di alcun fondamento nella realtà osservata e che non avrebbe implicazioni simboliche. Egli ha dichiarato che non c'era nulla di più concreto o più reale una linea, un colore o un piano (una zona pianeggiante di colore). L'artista svizzero Max Bill più successivamente è diventato il portatore di bandiera per l'arte concreta, organizzando il primo salone internazionale di Basilea nel 1944. Egli ha affermato che l'arte concreta mira a creare ' in una cosa forma visibile e tangibile che in precedenza non esisteva — per rappresentare pensieri astratti in forma tangibile e sensuale '. In pratica cemento arte è molto vicino al costruttivismo e c'è un museo di costruttivi e arte concreta a Zurigo, in Svizzera.
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L'aumento della fotografia concettuale degli anni sessanta coincise con le prime esplorazioni in arte dei. Utilizzando telecamere, artisti come Richard Long e Dennis Oppenheim comincia a registrare le loro performance e arte temporanea funziona in un modo che ora è spesso descritto come impassibile. Lo scopo era di rendere semplice, realistiche le immagini dell'opera d'arte che sembrava come documentario come possibile. È stata la natura pedonale della fotografia, la sua incrollabile capacità di fotografare tutto lo stesso, che gli artisti è piaciuti, credendo che fosse l'arte raffigurato nella fotografia che era importante. Precedenti per fotografia concettuale possono essere trovati fin dal primo Novecento quando Alfred Stieglitz fotografato che Marcel Duchamp s readymade fatta da un orinatoio, Fontana, per un'esposizione a New York. La fontana originale è stato persa, ma le fotografie di Stieglitz rimangono e sono diventati opere d'arte in sé.
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In senso generale qualsiasi pezzo di musica o scrittura, o qualsiasi pittura o scultura, può essere indicato come una composizione. Più specificamente, il termine si riferisce al modo in cui un artista ha organizzato gli elementi di lavoro in modo da portarli in un rapporto soddisfacente per l'artista e, si spera, lo spettatore. Nell'arte, nella tradizione classica, triangolare o piramidale composizioni sono stati utilizzati perché hanno creato un senso di equilibrio e armonia organizzando i dati in una struttura geometrica nel complesso stabile. Questo può essere visto, per esempio, nel raggruppamento più o meno conico degli animali in di George Stubbs Fattrici e puledri. L'idea della composizione come la regolazione dei rapporti degli elementi del lavoro all'interno del bordo della tela, rimase incontrastato attraverso gli sconvolgimenti dei primi movimenti moderni quali cubismo e astrattismo. Poi negli anni 1940 il pittore espressionista astratto americano, Jackson Pollock, introdotto quello che è venuto per essere chiamato allover composizione, e il tradizionale concetto divenne noto come composizione relazionale. Tuttavia, ancora generalmente Pollock sembra essere componendo all'interno della tela. Ma allo stesso tempo, l'espressionista astratto Barnett Newman ha cominciato a fare quadri in cui grandi blocchi di colore ha funzionato dall'alto verso il basso della tela. Questi erano relazionali in quanto le proporzioni dei colori sono state adeguate contro l'altro, ma erano compositivo radicale in quanto i blocchi di colore è semplicemente scappato da top e bordo inferiore della tela, che Newman deliberatamente lasciato senza cornici. Frank Stella era la fine degli anni cinquanta, che ha realizzato una composizione che fu allover e rotto fuori dei confini della tela.
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La nozione di arte comunità evoluta nel post seconda guerra mondiale era fuori il concetto di democrazia cultura - termine usato per descrivere le pratiche in cui cultura ed espressione artistica sono generati da individui e comunità, piuttosto che dalle istituzioni del potere centrale. Anche se c'erano stati precedenti esperimenti provvisorio in quello che divenne noto come arte della Comunità, compreso di diciannovesimo-secolo la confraternita dei preraffaelliti, non era fino alla fine del 1940 il concetto di comunità arte emerse e cominciò ad essere visto come un modo di emancipazione del popolo. Inititatives incluso mettendo artisti visivi, attori e musicisti di lavorare all'interno delle Comunità per creare composizioni, opere teatrali e murales pubblici. Negli anni sessanta, quando cambiamento sociale era visto come possibile, arte comunità era visto come un modo di dare voce alla società privati dei diritti civili.
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