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Terme qui est apparu dans les années 70 pour décrire une résurgence de particulièrement haute fidélité de réalisme dans la sculpture et la peinture à cette époque. Également appelé Super-réalisme et en peinture est synonyme de photo-réalisme. En sculpture, le praticien en circulation était Duane Hanson, ainsi que John de Andrea. Plus récemment le travail de Ron Mueck et celle de Robert Gober certains pourraient considérer comme Hyper-réaliste. Principaux peintres ont été Chuck Close, Robert Bechtle, Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings.
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L'iconographie de cette oeuvre est l'imagerie en elle. Le terme vient de l'image de sens mot grec ikon. Une icône était à l'origine une image du Christ sur un panneau utilisé comme un objet de dévotion à l'Église grecque orthodoxe au moins le VIIe siècle le. D'où l'icône de terme est venu pour être attaché à un objet ou une image qui est en circulation, ou a une signification particulière attachée à elle. Une iconographie est une plage particulière ou le système de types d'image utilisée par un artiste ou les artistes dans un sens particulier. Par exemple dans la peinture religieuse chrétienne, il y a une iconographie des images comme l'agneau qui représente le Christ, ou la colombe qui représente l'Esprit Saint. Dans l'iconographie du mythe classique cependant, la présence d'une colombe suggère que toute femme aussi présente serait la déesse Aphrodite ou Vénus, pour la signification des images particulières peut dépendre du contexte. Au XVIIIe siècle, William Blake a inventé une iconographie complexe personnelle pour illustrer sa vision de l'homme et Dieu, et beaucoup de bourses a été consacrée à interpréter. Au XXe siècle, l'iconographie de le œuvre de Picasso est essentiellement autobiographique, tandis que Joseph Beuys a développé une iconographie de substances comme le feutre, de graisse et de miel, d'exprimer ses idées sur la vie et de la société. Iconographie (ou iconologie) est également la discipline universitaire de l'étude d'images dans l'art et leurs significations.
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Groupe italien formé en 1922 par Funi, Sironi, Carra et autres. Officiellement lancé en 1923 lors d'une réunion à Milan, avec Mussolini comme l'un des orateurs. Mussolini a été le fondateur du parti fasciste italien et en 1922 a pris le pouvoir pour devenir dictateur de l'Italie. Après étant représenté à la Biennale de Venise de 1924, le groupe divisé et a été réformé. Le nouveau Novecento Italiano mis en scène sa première exposition de groupe à Milan en 1926. Objectif du groupe était de faire revivre la tradition de la peinture d'histoire de grand format de la manière classique. Le groupe appuie le fascisme et son travail s'associait avec le département de la propagande d'État.
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In Baroque art refers particularly to decorative schemes in buildings, especially ceiling paintings, in which the artist uses perspective and foreshortening to create, for example, the illusion that the ceiling is open sky populated by groups of figures such as saints, angels or whatever. Such effects are also sometimes referred to as trompe l'oeil, a French phrase meaning deceives the eye. More generally illusionism can refer to any painting which strives to achieve a high degree of mimesis, meaning imitation of reality. High levels of illusionism are typically found in seventeenth-century still life paintings. If the artist chooses subject matter that particularly lends itself to reproduction in paint on canvas (i. E. Is basically flat) the results can be exceptionally effective. An example is Edward Collier's A Trompe l'Oeil of Newspapers, Letters and Writing Implements on a Wooden Board. In modern art theory illusionism has been frowned upon on the grounds that it denies the basic truth of the flatness of the canvas. However, Surrealist artists such as Salvador Dalí and René Magritte have used it to great effect to evoke the alternative world of the unconscious mind.
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Un espace de peinture épaisse, ou texture, dans un tableau. Premier notable dans les peintres de la Renaissance vénitienne Titien et le Tintoret, puis dans la peinture Baroque, par exemple de Rubens. Plus en plus notable dans le paysage du XIXe siècle, le naturaliste et peinture romantique. Utilisation d'empâtement est devenu plus ou moins obligatoire dans l'art moderne, la vue s'est emparée que la surface d'une peinture doit avoir sa propre réalité plutôt que de simplement être une fenêtre de douce dans un monde d'illusion au-delà. Cela est allé l'idée que la texture de la peinture et la forme de la brushmark pourraient eux-mêmes contribuer à transmettre le sentiment, qu'ils sont une sorte d'écriture, qu'ils puissent exprimer directement les émotions ou la réponse à la question de l'artiste. (Voir aussi gestuelle). Une peinture dans laquelle empâtement est une caractéristique importante peut également dit être picturale. Ce terme porte l'implication que l'artiste est se délectant dans la manipulation de la peinture à l'huile elle-même et recourant au maximum de ses propriétés sensuelles. L'idée que l'artiste doit au premier plan les qualités innées des matières de l'ouvrage dans le cadre de son contenu est une centrale en art moderne et est résumée dans la vérité de l'expression aux matériaux (voir aussi la taille directe).
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Nouvelle façon de paysage de la peinture et des scènes de la vie quotidienne développé en France par Monet et d'autres depuis le début des années 1860. Basé sur la pratique de la peinture fini les photos à l'extérieur, par opposition à simplement faire des croquis (réellement pionnier en Grande-Bretagne par l'agent autour de 1813-17). En résulte une plus grande sensibilisation de la lumière et la couleur et le motif mouvant de la scène naturelle. Pinceau devenue rapide et cassé en plots séparés pour rendre ces effets. Première exposition de groupe Paris 1874 accueillie avec dérision, Impression de Monet, soleil levant étant particulièrement distingué out et qui donne son nom au mouvement. Sept autres expositions tenues à intervalles à 1886. Autres principaux artistes, Camille Pissarro, Renoir, plus Degas et Manet en relation légèrement tangentielle. Deuxième génération du postimpressionnisme.
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La conception des marchandises fabriquées en série, faits à la machine. Le mot était d'abord utilisé en Amérique dans les années 1920 pour décrire le travail des designers de spécialiste qui ont travaillé sur la conception du produit. Plus tôt, introduction de Henry Ford en 1913 de la ligne de production pour l'industrie automobile et ensuite pour la production des autres marchandises, a conduit à un déplacement dans le monde de l'art de tenter de souder ensemble les art et technologie. Constructivisme en Russie et à l'école du Bauhaus en Allemagne ont été inspirés par le nouvel âge de la machine ; en mettant l'accent sur la forme suit la fonction ils ont créé le design qui avait une forme abstraite, géométrique.
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Une écriture ancienne et moyen de dessin, encre est encore plus souvent faite de carbone et de liants, mais historiquement était également faite à partir des sources végétales ou animales comme le gall fer et sépia. Les encres sont traditionnellement noirs ou bruns, mais peuvent également contenir coloré des colorants ou des pigments. Ils sont traditionnellement utilisés avec brosses martre ou variétés de plume, de roseau ou de stylo.
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Terme utilisé pour décrire les œuvres multimédias qui occupent un espace tout entier de la chambre ou de la Galerie et dans lequel le spectateur peut habituellement entrer. Toutefois, certaines installations, visent simplement à être promené et envisagé ou sont tellement fragiles qu'elles ne peuvent être visualisés d'une porte, ou de l'une des extrémités d'une pièce. Art de l'installation est sorti de la forme antérieure de l'environnement. L'un des initiateurs des environnements a été l'artiste américain Allan Kaprow dans les œuvres d'environ 1957 sur. Dans une interview non datée, publiée en 1965 Kaprow dit de son premier environnement: ' je remplis tout simplement la Galerie entière — lorsque vous avez ouvert la porte, vous avez trouvé vous-même au milieu d'un ensemble de l'environnement — les matériaux étaient variés : froissé de feuilles de plastique, cellophane, enchevêtrements de Scotch, sections de barré et recouvertes en émail et des morceaux de tissus colorés '. Il y avait aussi des lumières accrochées dans tout cela, et « cinq magnétophones répartis dans l'espace joué des sons électroniques dont j'avais composé ». Matériel divers (mixte), son et lumière est restés fondamentale à l'art de l'installation. De celle lors de la création d'installations est devenu un volet important dans l'art moderne, plus en plus depuis environ 1990, et ont fait de nombreux artistes. En 1961 à New York, Claes Oldenburg créé un environnement précoce, The Store, d'où son compteur et plaques avec pomme de terre et jambon vient. L'un des créateurs d'installations utilisant la lumière exceptionnelles est James Turrell.
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L'acte de critiquer une institution comme la pratique artistique, l'institution étant généralement un musée ou une galerie d'art. Critique institutionnelle a commencé dans les années 1960, lorsque les artistes ont commencé à créer de l'art en réponse aux établissements qui ont acheté et exposé leurs œuvres. Dans les années 1960, l'institution artistique était souvent perçue comme un lieu de « confinement culturel » et, par conséquent, quelque chose d'attaquer esthétiquement, politiquement et théoriquement. Hans Haacke est un leader de critique institutionnelle, ciblant particulièrement les fonds et les dons remis aux musées et galeries. En 1971, le Musée Wallraf-Richartz Museum, Cologne a rejeté son travail Manet-Projekt 74 d'un de leurs spectacles. Le travail était lié à l'acquisition récente du Musée de tas d'asperges de Edouard Manet et détaillée de la provenance de l'arrière-plan de la peinture et Nazi du donneur. Durant les années 1990, qu'il est devenu une mode pour les débats critiques qui seront tenues par les conservateurs et directeurs dans les galeries d'art et musées centrée sur ce même sujet, ce qui rend l'institution non seulement le problème, mais aussi la solution. Cela a changé la nature de la critique institutionnelle, quelque chose que l'on retrouve dans l'art de Carey Young, qui considère ce dilemme.
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